A CHINESE FIREDRILL - CIRCLES

Uma grande malha. Sem dúvida que já não ouvia um pedal wah wah desde que o Cliff Burton nos deixou.

MASTODON - THE HUNTER (2011, RELAPSE/ROADRUNNER RECORDS)

Depois de uma ruptura voluptuosa na cena musical de 2009, com o álbum conceptual Crack The Skye, vivamente aclamado pela crítica, metal e não só, os Mastodon hoje têm uma imensa multidão de gente que lhe tem os olhos vivamente postos em tudo aquilo que fazem. The Hunter comprova que os Mastodon não são uma banda desconhecida, ainda a esgravatar para sair do seu espaço. Já com um leque de excelentes discos, desde o seu pesado Remission de estreia, os Mastodon saíram definitivamente da onda Sludge.
Hunter corrompe com os laços antigos de Leviathan ou Blood Mountain, deixando os álbuns temáticos e conceptuais que os caracterizaram durante um tempo. Huinter é um aglomerado de músicas, sem um fio condutor aparente. Embora haja aqui algo de «infantil» no álbum, como faz lembrar o baterista Brann Dailor (que neste álbum tem um crescente participação activa).
Mas não é só no desenho, aproximação incial que eles diferem. As influências de bandas como Melvins ou Neurosis, que tanto os ajudaram a caracteirzar em conjunto com Baronness ou Burst, como um dos melhores exemplos do sludge/stoner metal. Alguns restícios ainda são visíveis nas afinações das guitarras, ou em rasgos quase que punks de Blasteroid, ou o riff heavy de Black Tongue.
Mas os arranjos vocais de Curl of the Burl marcam uma aproximação ao companheiro de Colony of Birchmen, Josh Homme e so seus QOTSA. Quem fala nestes, bem pode referir a (quase beattleana) The Octopus Has no Friends (companheiro de Brent nas suas mocas profundas).
E não é só na titude e vozes que se vê a corrente da mudança, ao nível dos instrumentos os teclados, ainda que nenhum membro se dedique a eles defintivamente, são presença constante. E a revisitação de paisagens, equílibrio melódico da própria distorção, dão uma ideia de caos ordenado. Mesmo as vozes profundas de Troy, são transparentes em estúdio para dar um ar cristalino e audível, e sobretudo, bem mais perceptível, do que aquilo que ouvíamos em Remission.
E não é só com QOTSA que Josh Homme contribui para estes Mastodon. Nota-se uma vívida influência dos seus lendários Kyuss, com uma grande malha em Dry Bone Valley, ou um apelo à inocência barrettiana em The Creature Valley. The Hunter é o acompanhamento evolutivo deste brilhante quarteto, em que se esperava um regresso às origens, mas acabou por se revelar um excelente equilíbrio artístico, e uma bastante boa colecção de canções. Como diz Brann Dailor »nós não gostamos de ser rotulados a um etilo». Aqui estão os Mastodon, definitivamente progressivos.

OPETH - HERITAGE (2011, ROADRUNNER RECORDS)

Numa entrevista a uma célebre revista de Heavy Metal, Mikael Aekerfeldt, inconstestável líder da banda mais proeminente e promissora do movimento progressivo actual, dizia que finalmente se tinha libertado das «correntes do metal». E não é para mais, com um ar sereno e translúcido, com uma camisola dos Jethro Tull, não podíamos negar que, de facto, para Mikael Aekerfeldt e para os restantes Opeth, muita coisa mudara. Não que tenha voltado as costas ao Death Metal, que tanto faz parte da sua personalidade. Mas para quem ouviu Opeth desde sempre, a paizão pelas longas composições, as variações de tempo (e vocais), os arranjos jazzistíscos, não pode negar que a corrente, a veia progressiva, sempre esteve lá. Quem não ouve Heritage, não compreende Damnation ou qualquer outro álbum dos Opeth
Com Heritage, Aekerfeldt não só assume o papel de líder como volta a trabalhar com Steven Wilson, orgulhosamente. O guru do movimento pós-progressivo, que já desempenhara um papel importante na história dos Opeth, teve uma participação principal na remistura de Heritage. Nome este que não é casual.
Apesar de parecer quase que uma inspiração natural, Heritage demorou a ser transcrito para as linhas de pauta,e aquilo que poderia ser apenas mais um álbum dos Opeth, tornou-se um excelente tributo àquilo que o legado do rock dos anos 70 deixou no jovem Aekerfeldt.
Heritage começa com um piano suave, o único contributo do novo teclista Joakim Svalberg para este álbum, já que Per Wiberg foi responsável por revitalizar os hammond organ, os minimog, e os mellotron bem ao estilo de Jon Lord e Rick Wakeman, que tanto ecoaram na mente de Aekerfeldt.
Devil's Ochard foi o tema do álbum, e a sua atitude é difrente, e reflecte uma tendência moderna para o revivalismo e a redescoberta do experimentalismo que tanto rechearam e recheiam os concertos de bandas reunidas e de tributo por esse mundo fora.
Mas, para mim I Feel The Dark é o tema de eleição. Com uma  malha muito prog, muito folk, a lembrar Jethro Tull e Fairport Convention, traz também as memórias de temas como Benighted ou Face of Melinda, do já ido Still Life.
Quando questionado sobre os seus célebres «Goar», Aekerfeldt não esconde esse elemento como sendo característico da sua performance, mas ele não quis esse acto para Heritage. Algo que a banda aceitou profundamente. Apesar de mudanças substanciais, certas coisas não mudaram, como a sua persistência em compor isoladamente, e apresentar posteriormente os temas para a banda em arranjo. Essa valeu-lhe um tributo de Slither, balada muito «Rainbow» em homenagem a Ronnie James Dio que faleceu em Junho de 2010.
Mas as semelhanças com o passado não acabam por aqui. Em Famine, a entrada caótica não é desconhecida para todos aqueles que sofrem de progressivite. A famosa faixa  Silent Sorrow on Empty Boats, do lendário The Lamb Lies Down on Broadway é representativa disso mesmo. Até o próprio recurso à flauta transversal. Heritage não chega a compor a totalidade do espaço do álbum, mas os seus arranjos especiais, a escolha dos níveis de gravação, tudo é pensado ao pormenor, até beber da árvore da vida - uma capa que foge ao tradicional simbolismo gótico - é inovador e mercedor da nossa melhor atenção. Um disco que ficará para a história, um tributo sobre forma de originais. E, de facto, influências, quem as não tem?

SYMPHONY X - ICONOCLAST (2011, NUCLEARBLAST)

Durante décadas o género progressivo viveu submergido nas mentes dos meninos copos de leite, dos tótós dos computadores que se atreviam a ouvir música para além dos pixels e dos chips, e alguns metaleiros mais maduros e eruditos da vertente Maiden.
Hoje, o metal progressivo é uma autêntica fénix renascida, fazendo parte de um grupo, um movimento bem mais diverso e completo, em que o experimentalismo, as viagens e todo o substrato da abertura e liberdade de espírito do progressivo dos anos 70, mas com uma roupagem bem diferente.
Os Symphony X, apagados um pouco pelo nome e o domínio dos Dream Theater nesta matéria, surgem em segundo plano, mas completamente injustiçados. Sobretudo, pela superioridade vocal de Russell Allen que é bem capaz de ser uma voz respeitada apenas pelos mais conhecedores e eruditos. Desde o tempo de V: the New Mythology que os Symphony X são um colectivo digno de referência. O seu core Michael Romeo (também poderia ser conhecido por Yngwie Malmsteen II) e Michael Pinnello que andam nestas andanças há bastante tempo.
E se Petrucci, é bastante reverenciado pela maneira como funde David Gilmour, Steve Howe e Kirk Hammett numa performance à Pagannini das 6 ou 7 cordas, Romeo é um Ritchie Blackmore a um Eddie Van Allen + Nuno Bettencourt dos tempos modernos, mas uma granda pujança para o Power Metal, o que significa mais guitarras, e grandes riffs.
A inspiração de Romeo é fenomenal e a intensidade da guitarra é feroz. E apesar da corrente mais gressiva e metaleira, os Symphony X não se esqueceram de onde vêm e que presença querem fazer no panorama do progressivo. Iconoclast mostra bem a compnente instrumental, mas também o poder do power metal. Jutando-se a uns Manowar e umas letras bem Heavy Metal, Russell Allen demonstra porque é um vocalista digno de respeito e admiração.
E isto é só a ponta do Iceberg. Se, o classicismo está presente em The End of Innocence, a atitude trash vem em Dehumanized ou Bastards of the Machine. Mesmo assim o lirismo vocal à metaleiro, digno de um Ronnie James Dio não deixa de estar presente Children of a Faceless God. Com uma abragência vocal, não admira que o instrumentalismo não seja tão evidente como noutros actos, leia-se Dream Theater. Facilmente se percebe porque Portnoy tinha ansias de juntar Allen ao seu pelotão.
E apesar de muito presentes no power metal, os X arriscaram um duplo álbum, se bem que pecam na falta de conceptualismo muito característico das bandas progressivas e que o X já atingiram em The Odissey. Mas a corrente mitológica, digna de uma banda sonora de um God of War volta em Prometheus (I am Alive). Mas apesar de esmagadora prestação de Romeo, este não rouba lugar ao seu companheiro de armas Pinella, que bem demonstra a sua vertente escolástica em When All Is Lost, ou concorre com Ruddess em solos de teclados.
No meio disto aparecem rullo e Lepond, uma secção rítmica com pouca presença, mas apenas porque o fumo que vem dos instrumentos melódicos não nos permitem escutá-los com melhor atenção.
Lepond dispara um grande groove em Dehumanized e a pedaleira dobrada de Rullo não pode ser negligenciada. é claro que para uma bateria progressiva está pouco eclética, mas isto é porwer metal progressivo baby, é sempre a rasgar. E prometem estoirar com o Almadens já em Outubro próximo.

DREAM THEATER - A DRAMATIC TURN OF EVENTS (2009 ROADRUNNER RECORDS)

Deus escreve direito por linhas toras, ou então somos todos resultado de uma pura ironia, ou vítmimas de uma grande brincadeira de mau gosto.
Talvez sejamos nós como os palhaço equilibrista a atrvaessar o céu, e quando estamos a passar pelo teste de Abraão um avião rompe as nuvens em nosso salvamento. Um milagre?
O ser humano vive desesperado para ligar pontos de uma constelação e por isso temos de estabalecer relações entre marcas equidistantes ou não.
Mike Portnoy, o frontman que se senta num lugar mais improvável no palco, detrás do set de bateria, deixou a equipa galática do género progressivo ao seu destino, rumando para outros destinos deixando LaBrie, Petrucci, Ruddess e Myung para carregar a cruz.
Batidos, mas não vencidos, os génios minhocas decidiram continuar a cruzada e exteriorizar  aquela vontade incontrolável de escrever, escrever, e escrever mais músicas. O que esperar destas máquinas? Bem aparentemente, o nome sobrevive  e marca continua apesar de ícone abandonar o navio.
A filosfia continua bem própria, apesar de Portnoy ser um elmento fundamental, ele era mais um manager, do que um grande contribuinte da parte de composição. Todavia, a secção rítimica passava por ele. A seguir à percussão, o maior contributo de criação de Portnoy vinha nas letras, juntamente com Petrucci.
E nas reflexões, e no espírito crítico e atento de Petrucci que começa esta aventura. Mergulhados na crise financeira, as letras de petrucci expõem-nos e continuam a marca de tantas letras profundas a que os Drema Theater já nos habituaram - Voices, Great Debate, a Rite of Passage, entre outras. On the Backs of Angels não é excepção.
Mas a diferença de aproximação não passa indiferente. Logo de imediato notamos o contraste tanto na passividade da acção, o tom melancólico e a atitude mais lírica. Parece que a vertente mais metaleira deu lugar a uns Dream revezados nos sesu ídolos Yes, Pink Floyd ou Genesis. Bastane mais paisagísitocs, com arranjos jazzísticos, seja em Lost not Forgotten, ou na balada introspectiva de This is The Life.
esperava-se, e confirma-se um ascendente de Ruddess sobre a banda, e mais uma estreita colaboração com Petrucci. Apesar de apelativo e interessentate, temo que A Dramatic Turn of Events, se transforme na Dramatic Change of Guidance, podendo comprometer o reconhecimento que a banda tem tido recentemente, e se torne nos Dixie Dregs pós-modernos. Isto porquê? Porque apesar de ter a sua qualidade, músicas como Outcry, ou Breaking All Illusions (escrita pelo regressado poeta das cinzas Myung), e muito menos a «queda comercial» de Beneath the Surface, não demonstram a coerência e a estrutura de uma Honor Thy Father ou até mesmo uma In the Presence of Enemies, que são já clássicos do metal progressivo. Apesar de Bridges in The Sky darem o seu cunho positivo, nota-se que a bateria está muito apagada, quase como os álbuns de Opeth do princípio de década. E muito menos LaBrie tem o seu potencial vocal de outras eras.
Apesar de estranhar, e depois entranhar aos fãs, muitas legiões que vinham acompanhando Dream poderam perder o «momentum». E afastar-se.....

BLACKFIELD - WELCOME TO MY DNA (2011, SNAP MUSIC RECORDS)

Parece que os projectos paralelos, não são mais projectos paralelos. Pelo menos é essa a conclusão a que chego. Quem investiga as bandas principias, rapidamente vai buscar trablhos associados, e estuda o trabalho dos membros a finco, dando importância para o que se faz além destes colectivos emblemáticos.
Bem, dois discos seria o prazo limite do duo Blackfield ou, pelo menos, assim se esperava. Mas tal como surgiu Blackfield, o álbum homónimo, Aviv Geffen não esqueceu as encruzilhadas do carismático líder dos Porcupine Tree, habituado a escrever e a comandar as rédeas da criação artística, cedeu em continuar a colaborar com Geffen. No meio disto, o grandioso Fear of a Blank Planet e The Incident ocorreram, bem como Steven Wilson, sob o nome de Steven Wilson, com Insurgentes.
Apesar de estas mentes diferentes mas mutuamente interessadas se distanciarem na criação musical, a versatilidade e o gosto pela música de ambos faz de Blackfield uma banda progressiva na composição, mas não na expressão, dando-lhe um ar bem mais derock introspectivo, e acessível, na linha (esta palavra nos dias que correm já ganhou cá uma conotação) dos Marillion, que indirectamente acabaram por contribuir com a capa. Como tinha dito, Steven Wilson faz questão de demonstrart que é uma mente proactiva, mas The Incident, e o crescente fenómeno que os Porcupine Tree começam a representar pôs de lado uma contribuição significativa deste último, tendo Geffen apenas pedido contributo na performance. Daí que o álbum possa soar a progressivistas como eu, algo bastante estranho. Não tanto pelo soar a mil e uma noites com distorção ao barulho de Blood, ou mesmo a Go To Hell, que demonstra ímpetos bem menos comedidos, sobretudo no uso da linguagem, por parte de Geffen.

Este é um álbum pessoal para Geffen, e no fundo passa-se logo a imagem de identidade no título, bem como depois nas reacçoes misantorpas, e nas tensões familiares de On The Plane ou até mesmo de DNA. E em certa medida vemos o compromisso de Wilson em fazer uma coisa diferente, pela amizade, e sobretudo pela busca incessante da diversidade e ecletismo musical. Aqui não espaço para solos, alternâncias de ritmo, secções complexas como Wilson nos mostra nos Tree. É músicas, a canção livre e simples, escutável, melódica e sentida, sem grandes viagens ao asubconsicente, que tanto apreciamos nos Tree. Oxygen é a música trauteável, tão boa de se ouvir a caminho do trabalho, ou para facilmente aprender os acordes e cantar com os amigos uma música alternativa, para tantos tão desconhecida. Welcome To my Dna é assim a nossa pop privada, reservada aos fão do progressivsimo que tiveram a sorte, de um seu embaixador se ter junto a um importante músico de suporte dos U2 fazebdo deste disco uma agradável colecção de canções, que se esgotam nuns 49 minutos.

ROGER WATER - THE WALL LIVE, 21.03.2011 - PAVILHÃO ATLÂNTICO

Quem conhece a História dos Pink Floyd e dos seus vários membros, sabe como The Wall é dos discos, se não o disco mais importante da carreira dos Floyd, e por consequência do próprio Waters. The Wall assume uma importânica tal, e é uma ideia tão forte, que acabou por despoletar uma guerra, ou agravar as tensões já existentes no seio da banda.
De facto estas tensões ainda existem, se bem que já muito cicatrizadas, e já pagadas pelo tempo que teima em levar as vidas destes génios musicais que se uniram num dos melhores colectivos que a música contemporânea já produziu. No entanto, Waters continua a apelidarThe Wall como seu filho, esquecendo-se de todo o contributo musicalfeito por Gilmour e de arranjos musicais e de produção, para o qual todo o colectivo dos Floyd colaborou. Mas diria , que tudo isso são águas passadas, cheiram mal é certo. Mas há que olhar para The Wall como o derradeiro espectáculo do rock.
Tão cinematográfico, tão psicológicamente denso, abordado temas tão fulcrais como educação, guerra, loucura, e a influência anestética e alienante de um concerto de rock que Pink vem à rua em In The Flesh? tomar as rédeas de um estado totatlitário. No fundo the Wall é uma revolta interior entre o indivíduo e tudo o que constitui um rótulo, ou uma «brand» (será essa a ideia na mente anglofona de Waters) de uma qualquer estrutura colectiva. Qase diríamos que The Wall é um rebeldia anárquica, sem estampas de esquerda ou de direita. Waters pegou nessa ideia e desenvolveu-a hoje para uma qualquer forma de revolta política, económica e social. De facto, The Wall é tudo e é nada, e o seu misticismo ultrapassa todas as outras encenações operáticas de uma banda de rock. E acreditem, que as outras, Tommy, Quadrophenia e The Lamb Lies Down on Broadway tem o seu valor e sgnificado bem profundos.
Entre os 30 anos que já distanciam a digressão original e os 20 da recriação berlinense, Waters viu numa legião de velhos e novos fãs, obcecados tanto pelo saudosismo como o vazio do impacto do universo vasto, mas coeso do art rock, representado numa pouca série de bandas reduzidas ao anonimato ou ao exacerbado empenho técnico, incapaz de cativar as grandes massas, voltaram-se para os clássicos, que por esta altura, já tinham a sua carga mística intensa e imaculada. As novas gerações, como eu, olhavam para o passado com fascínio e curiosidade, longe dos palcos fantásticos e lendários, que preencheram a mente de gerações de jovens em plenas revoluções sociais, e faltaram por mero acidente temporal, a esses momentos históricos.
E como não há bandas de tributo que possam jamais substituir o original (ainda que em formto parcial), cliché, mas para quem adora música, bem verdade, lá fui encantado assistir à repetição da história. A lição gravada na minha mente como uma tatuagem - já que Is There Anybody Out There? The Wall Live 80-81 é um dos meus discos preferidos de sempre e para mim o verdadeiro formato do The Wall- . E o alinhamento não enganou, só há 30 anos. The Wall foi tocado quase, tal e qual, arriscaria a dizer como foi tocado no formato acima referido. E ainda bem, não queria que me faltasse o inédito What Shall We do Now? que tanta intensidade e enfâse dá à interlocução Empty Spaces. Nem mesmo a faixa Last Few Brick que é uma variante instrumental de várias músicas, nomeadamente as já referidas Empsty Spaces ou Young Lust, como Another Brick in The Wall.
E Waters é um homem de palavra e fiél ao seu trabalho. Registos que olhando para trás e, mesmo não sendo apenas dele (volto a frisar esta ideia), foram recriados. Digam-no, o Prof. a Mãe, a namorada, o porco, o spitfire, e aproveitando e aprofundando há já sua orientação poltica Orwelliana. Valeu o dinheiro, e quem assite entende o seu valor. Aspecto aliás que já não é novo. A digressão do The Wall de 80-81foi uma das mais caras de sempre, tendo os produtores desse espectáculo os Floyd, excluindo Rick Wright que estava a soldo, tiveram um prejuízo do caraças. Mas hoje com toda esta tecnologia, bem mais fácil de recriar.
Mas venha o mais pintado dizer que The Wall 09-11, ultrapassa 80-81 quando podiam ver Gilmours a solar no topo do muro. De facto esse momento, tal como o ser humano, é irrepetível, e mais do que este, é inantingível.